Siro Anton - Ramera de Babilonia y Masturbación

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Ficha técnica:

Título: Whore of Babylon II (Ramera de Babilonia)
Técnica: Fotografía analógica combinada con fotografía digital.
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Ficha técnica:

Título: Self-Abuse IV (Masturbación)
Técnica: Fotografía analógica combinada con fotografía digital.
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.Siro Anton, cuyo verdadero nombre es Spiros Antoniou, es un polifacético artista griego (Atenas, 1973) con un inconfundible estilo personal que se inscribe en la tendencia “Dark Art” (Arte Oscuro). No sólo es conocido como fotógrafo, pintor y diseñador gráfico, también es miembro del emblemático grupo musical griego de metal extremo y vanguardista Septic Flesh, donde actúa de vocalista y bajo. En el ámbito musical se le conoce sobre todo como Seth Siro Anton.

Su vocación pictórica comienza a los 8 años realizando retratos y paisajes sobre madera, pero no será hasta los 17 años cuando reciba clases en escuelas privadas de pintura y diseño gráfico digital. Tiempo después, ingresará en la Escuela Superior de Bellas Artes de la Universidad de Atenas, donde cursará estudios de pintura, fotografía, paisaje y perspectiva. A partir de 1997 trabajará como diseñador gráfico y artístico en diferentes revistas musicales, destacando en la creación de portadas de álbumes musicales para importantes bandas de metal y rock, como Rotting, Christ, Septic, Heaven, etc. A partir de 2001 la obra de Siro Anton alcanza una mayor difusión internacional gracias a una extensa entrevista que le hace la revista METRO.

Tanto en su pintura como en la fotografía, Siro Anton recurre a la combinación de distintas técnicas. En sus lienzos prima la pintura acrílica fusionada con el collage. Pero es en su obra fotográfica donde hace acopio de una mayor sofisticación, aplicando la técnica analógica junto con amplios recursos digitales para recrear una realidad siniestra y bizarra por donde transitan personajes salidos de los delirios más surrealistas. Tiene una especial habilidad para crear atmósferas y escenas psicóticas y provocar sensaciones inquietantes sin necesidad de recurrir al exceso de artificios y decorados barrocos, tan habituales en el Dark Art. Como todo artista, se nutre de distintas fuentes entre las que cabría destacar las obras de Joel-Peter Witkin, H.R. Giger, Dali, Francis Bacon, etc., sin por ello renunciar a una personalidad propia. De hecho, su obra plástica tiene una impronta inconfundible de tendencia surrealista y simbólica, rayando en ocasiones el expresionismo.

Entre su prolífica imaginería fotográfica he escogido dos ejemplos que me gustan especialmente y que recogen la esencia de la estética de Siro Anton. “Ramera de Babilonia” y “Masturbación” representan, cada uno, de un modo diferente, al monstruo que habita en las profundidades del alma humana, su estigma y su mitología. Nuestro universo onírico más siniestro.
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Galería de Siro Anton en Photo.net

Pierre Molinier - Autorretrato y Lenah

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₪ Dedicado a Pe-Jota por nuestras increíbles coincidencias ₪

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Ficha técnica:

Título: Autoportrait fetiche a l'éperon d'amour sur le fauteuil (Autorretrato fetiche con el espolón de amor sobre el sillón)
Fecha creación: 1965
Técnica: impresión tradicional sobre gelatina de plata
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Ficha técnica:

Título: Lenah
Fecha creación: 1968
Técnica: impresión tradicional sobre gelatina de plata (fotomontaje)
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Pierre Molinier (1900 - 1976), pintor y fotógrafo francés, nacido en Burdeos, donde transcurrirá la mayor parte de su vida. En su primera etapa, más consagrada a la pintura y al dibujo, expone regularmente en los salones como miembro de la Sociedad de Artistas Independientes de su ciudad natal. Sus paisajes y naturalezas muertas, en esta época, se aproximan a los planteamientos impresionistas, mientras que sus retratos y autorretratos poseen matices mucho más expresionistas. A comienzo de los años 50, a raíz de la presentación de su obra "Le Grand Combat", juzgada como indecente, en la que ya aparecen claramente reflejadas las obsesiones eróticas y fetichistas, que caracterizarían toda su trayectoria posterior, se produce una ruptura con su comunidad artística.

A mediados de los 50, Molinier contacta con André Breton, quién le apoyaría para integrarlo en su grupo y exponer en París, llegando a componer la portada del nº 2 de la revista "Le Surréalisme même" y participando en ediciones posteriores. Formaría parte del movimiento surrealista, aunque sus planteamientos y opiniones diferían, a menudo, del Surrealismo. En 1965 el detonante del conflicto con sus compañeros de grupo sería la presentación de un lienzo que consideraron demasiado irreverente, titulado: "Oh!... Marie, Mère de Dieu" (¡Oh!... María, Madre de Dios). Ello, unido a su difícil carácter, a menudo blasfemo y obsceno, acabaría desembocando en un alejamiento de Breton y los surrealistas.

Finalmente, Molinier se recluyó en su pequeño apartamento de Burdeos, prácticamente marginado y aislado del resto del mundo, frecuentado en ocasiones por su pequeño grupo de amigos y amantes (hombres y mujeres), donde se consagrará totalmente a su obra plástica y en especial a la fotografía, camino que ya había emprendido desde los años 60. Su obra fotográfica, basada principalmente en autorretratos y en composiciones de fotomontajes, donde Moliner se erige en el propio objeto y sujeto de la obra, es una de las expresiones eróticas más fascinantes que ha dado el arte del siglo XX. Pierre Moliner, precursor del Body Art, se reinventa una y mil veces a través de un transformismo narcisista, en el que usará sus fetiches femeninos favoritos como medias, zapatos de tacón de aguja, corsés, guantes, etc. y objetos fálicos, tales como variados consoladores elaborados por él, para convertirse en un ser imaginario, andrógino, casi mitológico, que reúne en sí mismo la esencia de ambos géneros. Recrea un erotismo onanísitico, de gozo autosuficiente y egocéntrico y de tono sadomasoquista, transgrediendo a su vez los valores ortodoxos de la virilidad. Para sus características composiciones "calidoscópicas", se sirve del fotomontaje y de la integración de múltiples fragmentos corporales, a modo de piernas, torsos y brazos de maniquís creados por él, al estilo de las muñecas de Hans Bellmer.

Pierre Molinier se suicidaría en 1976 en su apartamento, mandando una nota a sus amigos que decia: "Je me tue. La clé est chez le concierge." (Me mato. La llave la tiene el conserge.). Era una muerte anunciada. Ya en los años 50 expresó reiteradamente su deseo de morir. Se construyó una cruz, de las de cementerio, con el siguiente epitafio: "Aquí yace Pierre Molinier, nacido el 13 de Abril de 1900, muerto hacia 1950. Fue un hombre sin moralidad. Inútil llorar por él." Su suicidio fue un acto sereno y meditado, enmarcado en un escenario elaborado, como si se tratase de la culminación de su obra, en la que inevitablemente todo el proceso de manipulación del cuerpo debiera acabar en su desintegración.

En esta ocasión, he escogido dos fotografías del autor, que estimo muy representativas, pues encarnan el imaginario que repetirá de forma obsesiva. Por un lado, su autorretrato en actitud de gozo narcisista, travestido en ese ser andrógino que exhibe los atributos femeninos y masculinos al mismo tiempo, como deseo de perfección. Por otro, un fotomontaje a modo de reiteración fetichista de un cuerpo fragmentado en el que queda plasmado su obsesión por las piernas y sus complementos fetiches.

A quién le interese conocer mejor la obra y la vida de Pierre Moliner, le recomiendo el magnífico artículo de José Miguel G. Cortés en “Acción Paralela nº3”.

Vídeo-galería - Pierre Molinier

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Kitagawa Utamaro - El poema de la almohada (1788)

Kitagawa Utamaro (1753 – 1806) fue un pintor y grabador japonés, uno de los más conocidos representantes del arte tradicional nipón en Occidente. Junto con otros maestros de la estampa japonesa como Hokusai y Hiroshige, tuvo una gran influencia en la pintura francesa de mediados del siglo XIX, especialmente en el Impresionismo y Postimpresionismo, trascendiendo a las vanguardias de principios del XX. Su influjo se percibe claramente en el famoso cuadro de Claude Monet “la japonesa” y en los afiches de las bailarinas del Moulin Rouge de Toulouse-Lautrec, con los colores planos y las marcadas líneas negras de sus perfiles.

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Utamaro fue sobre todo famoso por sus pinturas y grabados de bellas y sensuales mujeres, retratos idealizados, inspirados muchas veces en las cortesanas del Yoshiwara, el famoso barrio del placer de Edo (Tokio), instaurando, como ningún otro, el ideal femenino japonés, tanto por la estilizada e irreal belleza de sus mujeres, como por su sofisticada indumentaria y la actitud de sus poses, siempre tan distinguidas, incluso en los momentos más cotidianos.

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De entre sus obras destacan su numerosa producción de estampas eróticas, donde recoge una gran gama de actos, ilustrando con delicados y estilosos trazos los detalles más explícitos, sin perder la composición un ápice de la característica elegancia del autor. Por que si tuviera que definir a Utamaro con una sola palabra, elegancia sería, sin duda, la elegida. El arte erótico en el Japón de aquella época gozaba de una permisividad mucho mayor que su equivalente cronológico occidental, por lo que no es nada inusual encontrarnos con escenas que representan el amor homosexual o el acto compartido por más de dos miembros.
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La estampa erótica que he escogido es, tal vez, una de las menos explícitas de Utamaro. Pero es una de mis preferidas por su sublime sensualidad. Es simplemente exquisita. Pertenece a su álbum de xilografías “El poema de la almohada” de 1788, por el que alcanzó gran fama en su país.

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Galería de Utamaro (Fine Arts Museums of San Francisco)

Rudolf Koppitz - Movimiento y Composición (1925)

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Ficha técnica:
Título: Bewegung (Movimiento)
Fecha creación: 1925
Técnica: impresión tradicional sobre gelatina de plata

Ficha técnica:
Título: Komposition (Composición)
Fecha creación: 1925
Técnica: impresión tradicional sobre gelatina de plata
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Rudolf Koppitz (1884 – 1936), fotógrafo austriaco de origen checo. Procedente de una familia humilde, comienza su carrera como fotógrafo en pequeños estudios. En 1912 decide ampliar su formación y se matricula en el Instituto para la Enseñanza e Investigación de las Artes Gráficas en Viena, donde se rodea de artistas y fotógrafos. Será conocido en los años 20 por sus estudios del desnudo. El Jugendstil (Art Nouveau) es la corriente artística dominante del momento en Viena, y Koppitz adopta su armoniosa composición, aunque también recibirá la influencia del Constructivismo ruso. Su obra está marcada por un profundo dominio de la forma, la línea y los matices de luces y sombras.

He escogido estas dos obras de Koppitz por su complementariedad. Forman parte de mis iconos fotográficos favoritos. Ambas tienen un halo de tragedia griega. Una contraposición casi geométrica entre los cuerpos vestidos de negro del fondo, que nos recuerda el coro del teatro clásico, y la desnuda soledad de la heroína, ocupando el primer plano. Desde luego, esta es una interpretación muy personal mía. En cierta forma, y dentro de la circunscripción escénica, las dos fotografías también me recuerdan al universo lorquiano. ¿Acaso no ilustrarían a la perfección la Casa de Bernarda Alba?

Egon Schiele - Dos Mujeres (1912)

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Ficha técnica:

Título: Zwei Frauen (Dos mujeres)
Fecha creación: 1912

Dimensiones: 45,1 x 31, 7 cm.
Técnica y materiales: aguada, acuarela y lápiz

Egon Schiele (1890 – 1918), pintor expresionista austriaco. Tuvo una etapa inicial vinculada a la Secesión vienesa de la mano de su amigo Gustav Klimt, pero pronto se decanta por el Expresionismo, como hiciera otro compatriota suyo, Oskar Kokoschka.

Podríamos decir de Schiele que los puntos cardinales de su obra son la muerte y el erotismo. Perturbadores son sus autorretratos desnudos, que reflejan una soledad atormentada e inquietante. Destacaría su ímpetu al reflejar el erotismo, a veces, con una pasmosa franqueza a través de sus trazos angulosos, enervantes, casi hirientes en sus contornos… y sus manchas de colores vivificantes y potentes. Precisamente por eso, sus dibujos, acuarelas y óleos poseen ese vigor tan intenso. Una fuerza arrebatada aún en la quietud de los escorzos o en la de sus paisajes.

Sus representaciones de desnudos, a menudo, fueron considerados obscenos y pornográficos, lo que le llevó incluso a tener problemas con la justicia. Aún así, gozó en vida, sobre todo en ciertos círculos de Viena y, en parte, gracias a la protección de Klimt, de prestigio y admiración. No era para menos, pues Schiele desarrolló un estilo expresionista tremendamente personal e íntimo. Su trayectoria artística fue breve, muere muy joven, a los 28 años, a consecuencia de la gripe española.

El cuadro que he escogido representa un tema que será una constante en su obra: el amor lésbico. Pertenece a la primera etapa expresionista, pero ya se vislumbran esos trazos agudos y nerviosos que, junto a la intensidad de grandes manchas cromáticas de acentuados contrastes, llevará a límites aún más exasperados en su evolución posterior.

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Galería en Artelista

Galería en Artnet

Joel-Peter Witkin - Mujer que fue pájaro (1990)

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Ficha técnica:

Título: Woman Once a Bird, Los Angeles (Mujer que fue pájaro)

Fecha creación: 1990

Técnica: impresión tradicional sobre gelatina de plata

Esta fotografía, realizada con un hermoso cadáver, está inspirada en la conocida obra de Man Ray “El violín de Ingres” (1924).

Hay pocos fotógrafos que impacten tanto como Joel-Peter Witkin y, sin embargo, es sublime en su visión del Otro. Nos transporta a una realidad que está ahí, que nos rodea y que no queremos ver, apartamos la mirada porque nos perturba. Witkin, como nadie, es capaz de inducirnos con los “deshechos” humanos (trabaja a menudo con cadáveres o con trozos de cadáveres), con aquello que marginamos, con lo extraño, con lo deforme, a una profunda espiritualidad a través de las interrogaciones que nos provoca su obra. Basta sostener la mirada en la dirección apropiada.

No es un fotógrafo cazador de momentos, sus obras son muy elaboradas, pensadas y diseñadas para el propósito que desea. Todas sus obras son realizadas con técnicas artesanales, no usa el ordenador, y elabora él mismo todo el proceso fotográfico. Trabaja básicamente con blanco y negro, salvo algunas obras que son pigmentadas a posteriori.

A menudo es acusado de oscuro y siniestro, y él contesta: “No soy una persona oscura, sólo trato de ser realista.” Curiosamente, ha titulado una de sus exposiciones como “Amor y Redención”.

Galería de Witkin en ZonaZero

Otra Galería de Witkin

Gilles Berquet - Taburete con ruedas

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Gilles Berquet, fotógrafo y artista francés. Uno de los máximos representantes de la escena fetish francesa junto a su musa y compañera Mïrka Lugosi. Figura en la lista de mis autores preferidos, en su cabecera.

No he conseguido la ficha técnica de la fotografía expuesta, realizada con gelatina de bromuro de plata, sobre finales de los 90’. Aún así, merecía la pena compartirla. Refleja a la perfección la esencia de la obra de Berquet. Claroscuros marcados. Cierta pátina gótica. Plasma explícitamente una actitud erótica desafiante y transgresora. Una mirada moderna sobre un fetichismo con aire vintage y pinceladas surrealistas en el tratamiento de la escena, aunque, en otras obras, esto es más evidente. El título me lo he inventado. Tampoco he logrado ese dato. Muchas de las fotografías de Berquet no tienen nombre.

Ella: sometida y exhibida, con toda la fuerza de animal salvaje en los ojos. Sin duda, una loba.

HR Giger - Amo y Margarita (1976)

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Ficha técnica:Título: Meister und Margeritha (Amo y Margarita)
Fecha creación: 1976
Dimensiones: 100 x 70 cm.
Técnica y materiales: pintura acrílica sobre papel y soporte de madera

HR GIGER (Hans Ruedi Giger) es un polifacético creador suizo con una peculiar personalidad, que refleja en su inquietante obra surrealista. Ilustrador, pintor, escultor, diseñador, etc., empezó como artista “underground”, convirtiéndose posteriormente en un personaje de proyección internacional tras la creación de Alien y su metálica y delirante arquitectura para la película de Ridley Scout, Alien, el octavo pasajero (1979), por lo que le concederían el Oscar a los mejores efectos especiales en 1980. Colaboró también en otras producciones cinematográficas como Poltergeist II, Alien 3 y Species.

Su obra plástica plasma, a menudo, un desbordante erotismo, repleto de referencias fetichistas, que flota en un universo imaginario terriblemente oscuro y narcótico, de evocación satánica o alienígena. Con frecuencia, la máquina se confunde lascivamente con la carne en una turbia atmósfera onírica. Llama la atención los minuciosos y elaborados detalles de su obra, como si se tratara de mundos dentro de otros mundos, para conformar, finalmente, un paisaje global de complicado tramado. Cualquiera de sus representaciones puede causar un efecto alucinógeno. Quedáis advertidos.

Recientemente, La Universidad Politécnica de Valencia ha ofrecido la primera exposición de HR Giger en España. Espero que algún afortunado/a de entre vosotros la haya disfrutado mucho.

Dejo un par de enlaces para quien desee sumergirse más en la fascinante obra de este original creador:

HR Giger (su página oficial)

Galería con variada obra de HR Giger

Jan Saudek - La carga (1987)

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Fotografía en blanco y negro, coloreada a mano.

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Jan Saudek, fotógrafo checo (Praga 1935), destaca por su increíble fuerza creadora. Para mí es uno de los grandes. Su obra, tanto en blanco y negro como en color, tiene un sello personal inconfundible. Algunas miradas mediocres le han catalogado como “kitsch”, posiblemente por sus abigarradas creaciones. Yo diría que es un oscuro e inquietante transgresor, con una carga erótica muy peculiar. A veces, muy onírico, pero también refleja la cruda realidad con un sarcasmo negro. Detrás de sus imágenes, no falta la ternura. Juega, a menudo, con dualidades e imágenes contrapuestas. Una de sus características técnicas más destacadas es que no trabaja con películas en color, sino que colorea a mano los revelados. De ahí esos tonos irreales.

Dada su prolífica y variada obra, es muy difícil destacar una pieza. Hoy me apetecía mostrar esta de “La carga”. Me resulta especialmente expresiva e, incluso, irónica. Y me encanta cómo la ha tintado. Existe otra réplica en tonos sepia.

Para quien quiera ahondar más en su obra, aquí dejo su página web:

http://www.saudek.com/

Pablo Picasso - Minotauro acariciando a una mujer dormida

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(Museo Nacional Reina Sofía - Madrid)

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Ficha técnica:
Título: Minotauro acariciando a una mujer dormida (de la serie Suite Vollard)
Fecha creación: 1933
Dimensiones: 34 x 44,5 cm
Técnica y materiales: Aguafuerte/punta seca sobre papel verjurado de Montval

Picasso se autorretrata como el Minotauro, inclinado sobre su amante (en esa época, Marie-Therèse Walter). Un grabado que expresa con brutal fuerza erótica la humanidad del monstruo y la animalidad del hombre. Picasso aseguró que el monstruo: "La está estudiando, intentando leer sus pensamientos, tratando de averiguar si ella le ama porque es un monstruo… Es difícil afirmar si quiere despertarla o matarla".

El artista recurre frecuentemente al Minotauro –su alter ego- para representar sus turbulencias interiores y sus contradicciones. Su deseo feroz de hombre y de animal. A Picasso le gustaba explorar los límites de la sexualidad. No sólo quería satisfacer sus deseos sexuales, sino elevarse entregándose a aquello que la cultura prohibía. Bataille estaba fascinado por la unión de sexualidad, transgresión y trascendencia que experimentaba Picasso. Según Bataille, "Picasso descubría el sentimiento de violencia elemental que inflamaba cada manifestación erótica. Por esencia, el terreno del erotismo es el terreno de la violencia, de la violación...".

Es uno de los grabados de Picasso que más me gustan. Contiene una tensión sexual inquietante, oscura, a punto de desbordarse más allá del papel.

He querido inaugurar esta sección con Picasso, porque para mí es el genio por antonomasia –no es el único, sin duda-. Su obra jamás me deja indiferente. Desde lo más clásico a lo más expresionista y experimental, me apasiona.

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*En el Museo Picasso de Málaga se expone un grabado de la misma serie y el mismo motivo: "Minotauro acariciando con el hocico la mano de una mujer dormida".